A "Csak Olaszország!" Című építészeti grafika kiállítás látogatható a Tretjakov Galéria mérnöki épületében. A kiállítás felét a Szergej Cchoban Alapítvány gyűjteményéből származó dolgok, fele - az Állami Tretyakov Galéria rajzai és még néhány - négy kortárs művész-építész alkotása alkotja: Maxim Atayants, Szergej Kuznyecov, Mihail Filippov és Szergej Tchoban.
A kiállítás sok okból kifolyólag csodálatos. Először is, a magas színvonalú építészeti grafika olyan anyag, amely magának rendelkezésére áll. Lapról lapra vizsgálni, a fürtöket, árnyékokat, személyzetet, rendet részletesen megvizsgálni tökéletes öröm.
Másrészt nem mondható el, hogy az építészeket gyakran mutatják be a Tretjakov-galériában. Szinte soha nem mutatják meg őket ott. És itt - a kiállítás nemcsak a galéria raktáraiból származó dolgokat egyesítette, olyanokat, amelyeknek alig van esélyük egy másik időpontban való megjelenésre, a Tchoban alap Berlinben tárolt gyűjteményének lapjaival. Mindennek középpontjában, akárcsak az alkotás koronája, a modern építészek rajzai találhatók.
A kiállítás megtervezése a SPEECH iroda és Szergej Cchobané, aki kortársai (köztük sajátjainak) műveit egy kis rotunda teremben rendezte; az őt körülvevő galériában a 20. századi grafikákat állítják ki; távolról, még két téglalap alakú térben, a 18. - 19. századi lapokat mutatják be, két blokkra osztva: "Egy téma születése" és "Rossika" (orosz külföldiek művei). Így a kronológia körökben tér el az expozíció terében, pontosabban a múltból a jelenbe konvergál: olyasmi, mint a vízen lévő körök, csak fordítva.
Meg kell jegyezni, hogy a BESZÉD meglehetősen következetesen fejleszti a kerek csarnok motívumát kiállítás-tervezési munkájában: elég felidézni az ArchMoscow 2013-as „Grafikai Múzeum” kiállítását (amikor a berlini Grafikai Múzeum még nem volt nyitva), vagy az orosz pavilon kiállításának két mintája a velencei építészeti biennálén: Vyshny Volochok város festői diorámája 2010-ben és a "Pantheon" a 2012-es QR-kódokból, nemrég
újjáteremtették Zaryadye-ban. A kerek termek meglehetősen ritkák a modern kiállítások tervezésénél - a rotunda tér nem túl kényelmes a kiállításhoz, mivel hajlamos elárasztani a kiállításokat, és önmagában is fontosabbnak és értékesebbnek tűnik. Ez egy templom, nem múzeum, koncentrációs hely vagy akár szolgálat.
A körnek ezt a minőségét hangsúlyozzák és használják az akasztásban. Az Új Idő grafikáit a múzeum kiállításának minden szabálya szerint és kellő tisztelettel állítják ki. A bal oldali rotundális térben a grafikus lap megszűnik önértékűvé válni, a térbeli cselekmény alárendelt részévé válik. Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban lapjait két sorban függesztik fel, anélkül, hogy minden egyes műre mint múzeumi értékre figyelmet fordítanánk (a körgalériában a 20. század grafikája átmenetként szolgál, maga az örvénylés már eltávolítja a múzeumot szigor).
A kijelentés jelentése elég világos. A modern grafika itt nem egészen kiállítás, sokkal inkább a létezés tényének - a klasszikus rajz hagyományának folytatásának és újraélesztésének küldetése - kijelentése. Ez egy képzeletbeli művészeti templom része, míg a történelmi gyűjtemény valami hasonló a sekrestyéjéhez, az értékes példányok tárháza.
Jellemző, hogy a műanyag belső nyilatkozat, amely olyan finoman értelmezi a kiállítás tartalmát, a klasszikusok nyelvén belül marad. Teljesen megrendelés nélkül, de a részleteket és a térbeli élményeket a tényleges grafikai lapok adják a kerek csarnokhoz. Ők az elmúló építészete. Vegyük például a Pantheon kerek oldalát, amelyet egy kirakott ívek szépen megrajzolt lábazata tagol: „a pantheon a pantheonban” tovább folytatja a megkezdett játékot, már egy képzeletbeli térben a grafikus lap síkja mögött.
Az elmondottakhoz még hozzá kell tenni, hogy a kiállítás a 18. század "alapítóival" kezdve tovább kutatja az Olaszország csodálásának kifejezetten orosz hagyományát, és közelebb a 21. évhez kiderül, hogy ez a hagyomány itt szerzett teljesen különleges vonások, nem nélkülözve a csodálat és a jó értelemben vett rögeszmék jegyzetét, amelyet olyan finoman megragad a csarnok templomi alakja. Senki sem vallja olyan őszintén az antik tárgyak tanulmányozását, mint Maxim Atayants; senki sem gondolja, hogy építészete egy akvarell tájból születik, mint Mihail Filippov; senki sem annyira elkötelezett az építészeti grafika műfajának belső értéke iránt, mint Szergej Csoban, aki létrehozta a múzeumát, és Szergej Kuznyecov, aki folyamatosan a szabadba megy. Az eredmény együtt heterogén, de mindenképpen egyedi jelenség.
Beszéltünk a Kortárs Díszterem mind a négy kiállítójával.
Sergey Choban Archi.ru:
Tényleg ez a legnagyobb építészeti rajzok kiállítása, amelyet alapítványa részvételével készítettek?
Sergey Choban:
- Azt hiszem, igen. Mind a bemutatott művek száma, mind a lefedett időszak szerint ez a legnagyobb kiállítás. Itt vannak kiemelkedő nyugat-európai szerzők, a 18. századi építészeti rajz iskola alapítóinak művei, valamint az ebben az összefüggésben aktívan dolgozó kiváló orosz művészek és építészek hatalmas száma grafika.
Az alapítványa által szervezett építészeti grafikai kiállítások már bizonyos sorrendben formálódnak. Van-e általános terv, fejlesztési vektor, vagy a cselekményt mindig újra feltalálják?
S. Ch.: Általában minden alkalommal, amikor újból feltalálják, bár vannak bizonyos alapelveink. Különösen arra törekszünk, hogy kiemelkedő múzeumi intézményekkel dolgozzunk. Az egyik következő projektünk a bécsi Albertinával lesz közös. Dr. Schroeder [a bécsi Albertina Múzeum igazgatója - Archi.ru] berlini múzeumunk termeiben tartózkodott, és kifejezte vágyát egy közös projekt elkészítésére - ennek nagyon örülünk, és büszkék vagyunk erre a javaslatra. Vannak más projektek is.
Tervezik, hogy együttműködünk a Scsusev Építészeti Múzeummal, szerintem ez nagyon fontos.
Ön gyűjtő, grafikus, tervező, építész - hogyan kapcsolódik ez egymáshoz?
S. Ch.: Számomra úgy tűnik, hogy ezek ugyanazon foglalkozás különböző láncszemei. Történelmi összefüggésben az építészek művészek is voltak; nemcsak fővárosi épületekkel foglalkoztak, hanem színpadi tervezéssel, színházi előadásokkal is.
A 20. századig az építészeknek nem volt fényképezésük …
S. Ch.: Úgy gondolom, hogy a fényképezésnek nem ugyanazok a céljai, mint az építészeti rajznak. A rajz megragadja az emberi kreativitás legfontosabb részét - azt az építészetet, amelyet az ember a természetes térben létrehoz.
Eközben Maxim Atayants és Mihail Filippov klasszikus építészettel foglalkozik, de te nem
S. Ch.: Természetesen nem, ez nem kapcsolódik közvetlenül az általunk készített architektúrához. Számomra úgy tűnik, hogy az építészet rajzolással történő tanulmányozása egészen más eredményekhez vezethet: ez az arányok és a térhatások, valamint a szövet és a részletek vizsgálata. Nem hiába, ma nemcsak az orosz, hanem számos európai iskolában is nagy figyelmet fordítanak a rajzolásra, mert csak a rajz segítségével láthatja, hogy a különböző szerkezetű anyagok hogyan kapcsolódnak egymáshoz, hogyan a legkisebb részletek szövete folyik egymásba.
A kiállításokon készült rajzai mindig nagyon kész munkák, a természetből merítve. Miért nem mutatsz vázlatokat?
S. Ch.: Először is, ennek a kiállításnak a témája meglehetősen határozott, nem jelent mást. Másodszor pedig maguknak a rajzoknak is független minőségűeknek kell lenniük. A vázlatok nem mindig rendelkeznek ezzel a minőséggel.
A festménye jobban kinő a gyűjteményéből vagy az építészetéből?
S. Ch.: Azt hiszem, hogy a gyűjtemény végül is a rajzolásból nőtt ki. És az építészet nagy része a rajzolásból nő ki. Csak nem nő egyenesen. Nincs olyan, hogy megrajzol egy ősi kori épületet, majd valami hasonlót tervez. Akkor mást tervezel, mert az űrfejlődés törvényei különbözőek.
*** Sikerült feltennünk a kiállítás további három résztvevőjének ugyanazt a jelen esetben fontos kérdést: grafikájuk eltér-e a történettől, és ha igen, akkor hogyan.
Maxim Atayants
Miben különbözik grafikája az itt, a kiállításon bemutatott történettől?
M. A.: A grafika itt annyira különbözik … Van egy olyan érzésem, hogy a négy kortárs kiállító szinte annyira különbözik egymástól, mint azoktól, akik a kiállítás más termeiben lógnak.
A korszakok különbözőek. A modern grafikát nem befolyásolhatta a modernitás óriási vizuális redundanciája. Az elmúlt két évben több fénykép készült a világon, mint a teljes korábbi történelemben az első daguerotípus óta. A vizuális redundancia nyomása arra kényszerít minket, hogy a rajzot másként kezeljük, és onnan olyat húzzunk ki, ami nem mondjuk a fotózás. Meglehetősen profi fotós vagyok, ezért fontos számomra, hogy összehasonlítsam ezeket a dolgokat. De félek szándékosan elmélkedni erről a témáról, mert a rajzolás és a fényképezés feladata ugyanaz … Szeretném valahogy kifejezni örömemet és izgalmamat az ezekkel az épületekkel folytatott találkozón. Valószínűleg Quarenghi ugyanazokat a problémákat oldotta meg. Az eredmény pedig más, mert más a korszak. Hogyan lehetne erre másként válaszolni?
Miért nem csak fényképezel, hanem rajzolsz is?
M. A.: De erre könnyen válaszolhatok. Mivel különböző mechanizmusok vesznek részt. A rajzolás a tanulás egyik módja, az egyetlen olyan emberi tevékenység, amelyben az agy, a szem és a kéz egyszerre, azonos intenzitással vesz részt. Lehetetlen egy órát elgondolkodva és koncentráltan eltölteni valamilyen építészeti elemet, ha nem festesz. Ez a tanulás egyik módja.
Képeket készítünk mások megosztására, és rajzolunk magunknak. Asszimilációhoz. Az én esetemben legalábbis.
Festettél már fényképből?
M. A.: Természetesen, mint minden idióta, aki a Művészeti Akadémián tanult, én is éjszaka fényképeztem, amikor például nem volt időm elkészíteni a dolgozatomat. Aztán nekem úgy tűnt, hogy könnyebb. Most megpróbálom nem ezt megtenni, mert ez a folyamat értelmetlen utánzása. Véleményem szerint a rajzolás lényege az életből meríteni.
Amikor rajzolok, megértek valamit, akkor ez a folyamat mély. Miért egyszerűsítenénk, miközben olcsón próbáljuk elérni ugyanazt az eredményt? Vagy kifelé ugyanúgy néz ki. Azokban az esetekben, amikor nem volt ideje befejezni a helyszínen, néha természetesen bekukucskál a fényképen … De ez másodlagos. Elképesztő, hogy most sokkal nehezebb és hosszabb nekem rajzolni egy fényképből, mint a természetből. Ez igaz.
Szergej Kuznyecov
Miben különbözik grafikája az itt, a kiállításon bemutatott történettől?
S. K.: Alázatosan azt mondanám, hogy ezt nem tehetjük meg. Örülök Maxim Atayants munkáinak, aki talált magának erőforrást, képes volt belemerülni és más részletességbe menni - egyértelmű, hogy a nehéz nem jelent jót, de egyszerűen nem jelent rosszat - de ennek ellenére, milyen magasságot értek el a régi mesterek, türelemben, kemény munkában és szemben - ez elképesztő. Meg kell tanulnunk … továbbra is irigykedve nézem az itt bemutatott grafikákat; természetesen nagyszerű lenne elsajátítani egy ilyen készséget.
A klasszikus építészet megrajzolása a klasszikus építészet felépítésére való törekvést jelenti?
S. K.: Nem, ez egyáltalán nem azt jelenti. A klasszikus építészet rajzát nem szabad összekapcsolni a klasszikus építészet tervezésével, ahogy a Három testőr elolvasása sem jelenti azt, hogy készen állsz a kard kardos lendítésére holnap.
Hogyan kapcsolódik akkor az építészet és a festészet személyesen hozzád?
S. K.: Ebben az értelemben régi iskola vagyok, nagyra értékelem az alapvető, kézműves készségeket. Számomra úgy tűnik, hogy az építészet készítésének módja nem változott és nem is változhat: az embernek át kell adnia a gondolatokat, érzéseket, érzéseket önmagán - a számítógép nem teszi lehetővé minden kifejezését. Nagyon és komolyan szerettem a számítógépes grafikát, sok publikációm és kiállításom volt, ez lehetőséget ad arra, hogy összehasonlítsam a kezemmel és a szememmel végzett munkát - és a számítógéppel való munkát. Ha kézben van a keze, és saját kezűleg tudja ábrázolni azt, ami a fejében van, az személyesen segít, és a meggyőzés eszközeként is jól működik.
Miért nem mutat vázlatgrafikát?
S. K.: Ebben az esetben nem lenne helyénvaló … Ez nem tudatos álláspont; javaslatok lesznek - kiállítjuk. Általánosságban elmondható, hogy ez nem igaz, kiállítjuk - az "év építészének" kiállításán Moszkva arch-ban volt egy vázlatos rajzunk. Nagyon sok jó minőségű vázlatunk van. A kézírások véleményem szerint egyszerűen nem fogják érdekelni a közönséget. Általánosságban azt mondanám, hogy a közönség érdeklődése bármely mű iránt egyenesen arányos a rá fektetett munka mennyiségével.
Hogyan kezdte rajzolni a történelmi építészetet?
S. K.: Már azelőtt elkezdtem rajzolni, hogy beléptem az egyetemre. Szüleim semmilyen módon nem kapcsolódtak sem a művészethez, sem az építészethez, de a különféle kreativitás, prototípus készítés, rajzolás elragadott, ezért előkészítő tanfolyamokra kerültem a moszkvai építészeti intézetben. Azóta nem hagytam abba a festést; bár az intézet után szünet következett, amikor már nem kézi, hanem számítógépes grafikával foglalkoztam.
Később, kezdve együtt dolgozni Szergej Cchobannal, valahol 2006 körül, azt javasoltam, hogy utazzon el különböző városokba, rajzoljon építészetet. Azóta évente többször is rendszeresen utazunk festeni az építészetet. Első utunk a római szabad levegőre például Piranesi nyomdokaiba vezetett.
Mihail Filippov
Miben különbözik grafikája az itt, a kiállításon bemutatott történettől?
M. F.: Nem tudok válaszolni egy ilyen kérdésre. Elmondhatom, hogy az építészeti grafika miben különbözik az építészeti tájtól. 30 éve vagyok a Művészek Szakszervezetének tagja, művészként számos helyen kiállítottam, többek között a Tretjakov Galériában és az Orosz Múzeumban. Számomra ez a kérdés teljesen egyértelmű. Az építészeti táj, amellyel őseink foglalkoztak, mindenekelőtt a lap színvonalas megrajzolása és művészi megközelítésű rendezése. Sajnos a legtöbb építész kedvenc tárgyát kis perspektívaként, és nem tájképként festi.
A szovjet időkben még a Művészeti Akadémia szerződései szerint dolgoztam tiszta tájfestőként. A peresztrojka során a szeroviták kerültek hatalomra - többségük jó művész, realista, Gritsai, Rešetnyikov, Nalbandian … Erős, technikai grafika is ott volt.
A szovjet grafika többi része a lap modernista szervezése irányába fejlődött: ha például a víz könnyű, akkor teljesen fehérre írják stb. Amikor elkezdtem írni, többet gondoltam az árnyalatokra, a köztes hangokra; a fehér éjszaka árnyalatai, a rajz minősége, a perspektíva finomságai … Ez akkoriban egészen egyedivé tett, ezek az idős emberek nagyon megszerettek. Dolgoztam szerződések alapján, jöttem és megmutattam nekik, tettek néhány megjegyzést - olyan érzés volt, mintha a mesterek engem figyelnének.
Tehát nem érzek nagy különbséget a régi mesterekkel szemben. Ha nem műszaki rajzot készítettek, hanem tájat. A táj megközelítése olyan volt, mint egy művész. A Művészeti Akadémia építészeti kara egy időben felvette azokat, akik jobban rajzolnak, a festészet pedig azokat, akik rosszabban rajzolnak. És "építész művész" néven adtak oklevelet - ezt megfogalmazták néhány évig, nem emlékszem pontosan egy évig. Nem érzek semmi különbséget velük, főleg, ha a század eleji művekről van szó. Ostroumova-Lebedeva művein nevelkedtem.
Bár számomra egy másik árnyalat érdekes - a fehér éjszaka. Az orosz táj árnyalt volt a köztes államokban. Például Vasziljev - olvadás, nincs tél, nincs tavasz, nincs fény, nincs sötétség, félhang, napsugár … A világfestészetben nem talál kiváló minőségű tájakat, amelyekben élénk kék lenne ég és ragyogó zöld! Lehet, hogy Rylovnak van valami hasonlója, vagy Cezanne, de ez már más.
Kiderült, hogy két témája van: az építészeti táj és az építészet …
M. F.: Nem! Nincs különbség. A gyönyörű építészetet a természethez, a naphoz kell társítani. Nagyon jól ismerem és szeretem a művészettörténetet. Az 1980-as években érdekes volt számomra folytatni azt, ami a húszas években elmaradt, amikor a festészet valahogy kezdett - talán nagyon jó minőségű -, de modernizmussá válni.
Szerinted valós együtt nőni?
M. F.: Igen, ez egy abszolút valóság. Ez év januárjában adtam át - 750 ezer négyzetméternyi lakóépületből eltávolítottak erdőket.
Szocsiban?
M. F.: Nemcsak Szocsiban, Moszkvában is van egy ház a Rybalko marsall utcán. Biztosíthatlak, ez a 2001-es stílus megtestesítője, amire harminc évvel ezelőtt jöttem.
Ezt a festményed megtestesítőjeként érzed?
M. F.: Igen, igen … nem látom a különbséget.
Ha hiszed, ha nem, elvégeztem az Akadémiát, kitaláltam egy koncepciót, és utána vettem először ecsetet és akvarellt. Nem az Akadémián vagy a művészeti iskolában írtam. És ha írtam, lehetetlen megnézni, mit csináltam akkor.
*** a kiállítás július 27-ig látogatható (nyitvatartási idő)
